一位诞生于以△▽▽“星条为帜▪□▽”的美国，一位诞生于有“海上马车夫”之喻的荷兰，在地图上，他们相隔一整个大西洋。但在琴弦之上…◁，他们却惊人地站在同一片土地上。他们二人都是世界公认的“集才华与颜值于一身”的小提琴巨星。

　　约书亚·贝尔（Joshua Bell）与珍妮·杨森（Janine Jansen）——两位看似迥异的小提琴家▪▲☆，正以同一种叛逆、同一种革新、同一种对音乐本质的执着，拓宽着小提琴艺术的边界。

　　贝尔14岁与费城管弦乐团同台，一鸣惊人；杨森10岁公开演出★◁，翩然现身音乐界。

　　贝尔师从小提琴教父约瑟夫·金戈尔德（Josef Gingold）；杨森受教于小提琴家科斯耶·维曾贝克（Coosje Wijzenbeek）、菲利普·希尔施霍恩（Philippe Hirschhorn）及鲍里斯·贝尔京（Boris Belkin）。

　　贝尔目前使用的琴是1713年斯特拉迪瓦里◆▽“The Gibson ex Huberman”（胡伯曼使用过的吉布森）。杨森使用的琴是由芝加哥斯特拉迪瓦里协会因其优异表现而协助她获得的1727年斯特拉迪瓦里▪▲“巴雷尔”（Barrere）。

　　在专辑《12 Stradivari》中，小提琴家珍妮·杨森与Decca Classics及J&A Beare公司携手▷…，首次将12把珍贵的斯特拉迪瓦里名琴的音色完美展现。

　　在各大奖项的傍身中，他们却都保持着令人敬佩的清醒◇▼○。贝尔在接受《》以及多次采访及演讲中都阐述过：“当剥离了音乐厅、昂贵的票价和我的名声之后，音乐本身还剩下什么★▲★？”

　　贝尔曾化身街头艺人（2007年），在地铁站用43分钟的巴赫演奏向古典音乐的“神圣性●○”发问•，引发了一场关于艺术价值与聆听语境的讨论；杨森则屡次将音乐会搬进博物馆◆、圣彼得堡山洞、工业仓库等非传统空间（如2014年…○=，她在阿姆斯特丹的“Westergasfabriek”文化公园区的一个由旧煤气厂改造的场地演出），以消弭舞台与观众席的距离，打破音乐厅的▲“第四面墙▼◇”。

　　对他们而言，音乐是流动在空气中的生命气息-▲。杨森在接受《弦乐》杂志等媒体采访时多次提到这类尝试●◆，认为这能创造更亲密、更专注的聆听体验。

　　在艺术理念上，两人都显著倾向于现场演奏所独有的真实与生命力●•，而非过度修饰的录音室完美★=。

　　杨森在多次采访中强调现场演奏的不可替代性。她曾在2021年接受英国《弦乐》杂志采访时，谈论现场演出与录音的区别▲：“在现场演出中有一种独特的能量交换，这是独一无二且永远不会重复的。它是瞬间的东西…☆●，而且非常强大▲○”。

　　贝尔在接受《留声机》杂志采访时，也曾对比现场与录音室：“现场音乐会的魔力在于其不可预测性和危险性•。在录音中，我们试图尽可能接近那种感觉，而不是消除它。”

　　这种对=■•“真实温度△▽”的追求，也塑造了他们迥异却同样迷人的个人音色-☆◇：贝尔的琴声中有一种美国式的热情与自由，扬森的演奏则融合了北欧的清澈与拉丁的炽热。

　　当贝尔用他标志性的温暖音色抚慰人心时▪☆，杨森正用她清澈的琴声唤醒感官▷；当贝尔在好莱坞为电影配乐时，杨森正在阿姆斯特丹探索当代作曲家的新作△●◆。

　　他们证明了古典音乐的无限可能性——它可以既是亲切的，又是深刻的；既是创新的，又是传统的▪；既是个人的○，又是普世的。